Nociné

Scott Cooper, le protégé de Robert Duvall, signe son premier western après avoir fait l’éloge de ce genre des années durant. Il nous emmène à la toute fin du 19ème siècle sur les traces du capitaine Blocker, chargé d’escorter avec ses hommes un chef cheyenne mourant et dont le voyage s’avère mouvementé. Hostile fait partie de ces films sur l’Ouest américain qui semblent faire acte de contrition vis-à-vis du génocide amérindien. L’extrême conscience du sérieux du sujet et la volonté forcenée de bien faire des acteurs et du réalisateur se ressentent tout au long du film, et créent une ambiance assez pesante et presque empruntée. Très solennel, le film peine à sortir de l’héritage des grands westerns et aurait mérité d’être un peu décalé pour être finalement plus vivant. Podcast animé par Thomas Rozec avec Julien DupuyRÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONHostiles (Scott Cooper, 2018), Crazy Heart (Scott Cooper, 2009), Stricly Criminal (Scott Cooper, 2015), Rosamund Pike, Wes Studi, Robert Duvall, Doom (Andrzej Bart

Zazie Tavitian va cuisiner dans sa famille, chez des amis ou même chez des inconnus une recette qui raconte aussi une histoire et met le tout dans un podcast un jeudi sur deux, accompagné de ses conseils et bonnes adresses.Et comme on sait que vous aimez les blinis de Russie, les boulettes roumaines, les baklavas, les pizzas fantaisistes et pleins d’autres mets qui se mangent et se racontent, on vous conseille d'aller écouter le premier épisode et de vous abonner sur :- Apple Podcasts : itunes.apple.com/fr/podcast/casse…d1350126411?mt=2- Android : www.subscribeonandroid.com/feeds.sound…/sounds.rss Retrouvez Casseroles sur binge.audio, SoundCloud, YouTube, Facebook et Twitter.CREDITS"Casseroles" est une production de Binge Audio, par Zazie Tavitian. Écriture, prise de son, montage : Zazie Tavitian. Direction artistique : Julien Cernobori. Production : Joël Ronez. Chargée de production et d'édition : Camille Regache. Musique originale : Théo Boulenger. Mixage : Quentin Bresson.

Malgré les bons retours de la critique et son succès dans les festivals, le dernier film de James Franco passe à côté de son sujet. “The Disaster Artist” raconte la façon dont le film “The Room”, sorti en 2003 et connu pour être le pire film du monde, a pu voir le jour dans la douleur, porté à bout de bras par son réalisateur Tommy Wiseau. Sous couvert d’hommage, “The Disaster Artist” ressemble plutôt à une énorme moquerie. James Franco, qui interprète par ailleurs l'exécrable Wiseau, semble regarder avec beaucoup de condescendance les acteurs et réalisateurs qui n’ont pas su arriver à son niveau dans l’industrie hollywoodienne. Au lieu d’expliquer la véritable histoire de la création de ce nanar devenu culte, James Franco s’épanche sur une histoire d’amitié hollywoodienne assez quelconque entre le réalisateur et un de ces acteurs et on se demande jusqu’à la fin ce qu’il a voulu raconter.Podcast animé par Thomas Rozec avec Lelo Jimmy Batista, David Honnorat, Stéphane Moïssakis et Perrine Quennesson RÉFÉRENCES

A l’occasion d’une projection au Club de l’Etoile, retour sur un grand classique des années 80, devenu culte vingt ans après sa sortie. Les raisons de l’échec de Joe Dante avec “L’Aventure Intérieure” en 1987 restent encore assez mystérieuses. Malgré d’excellents résultats lors des projections test, le film n’est alors pas parvenu à trouver son public. C’est seulement à la fin des années 90 qu’on assistera au retour en grâce de cette comédie produite par Steven Spielberg. Dans ce voyage au coeur du corps humain, l’enthousiasme des comédiens (Denis Quaid, Meg Ryan, Martin Short...) transpire sur la copie finale. L’équipe de NoCiné revient sur les anecdotes de tournage et de conception de ce film familial bourré d’action, drôle et rythmé.“L’Aventure Intérieure” est le premier film d’une série de projections programmées par le Club de l’Etoile. A venir prochainement : Samedi 7 avril 2018 : “Beowulf 3D” de Robert ZemeckisSamedi 5 mai 2018 : “Last Action Hero” de John McTiernanSamedi 16 juin 2018 : “Evil Dead II”

Sergio Sanchez, le scénariste du chef d’oeuvre “L’Orphelinat”, signe aujourd’hui son premier long-métrage en tant que réalisateur. Un film espagnol mais qui se déroule en Grande-Bretagne au sein de la famille Marrowbone dont les enfants, par peur d’être placés et séparés, dissimulent la mort de leur mère. Cachés dans la ferme familiale, ce repaire va se révéler de plus en plus hostile.Très respectueux du genre et des thématiques qu’il aborde, ce film “met du coeur au bon endroit”. Généreux et subtil dans le discours qu’il tient sur ses personnages (psychologie des enfants, rapport au monde, rapport aux parents…), Sergio Sanchez créé aussi la surprise avec un soucis du twist propre au cinéma d’épouvante espagnol. Si des problèmes subsistent dans le déroulement de l’intrigue fantastique et dans la mise en scène, ce film donne tout de même envie de passer outre ces erreurs et reste de qualité supérieure à ce qui se fait aujourd”hui dans le cinéma d’horreur et d’épouvante.Podcast animé par Thomas Rozec avec Stéph

Totale roue libre pour ce polar français de Paul Boujenah sorti en 1983 et récemment réédité en blue-ray. En quelques mots : de la déviance et des cheeseburgers. Francis Huster interprète une sorte d’Inspecteur Harry à la française qui pleure le coma de sa fille et la mort de sa femme décédée dans un accident de voiture. Les scènes ubuesques s’enchaînent et le jeu “actor studio” de l’acteur phare des années 80 atteint son paroxysme lors d’une séquence de course poursuite de trente minutes, rien que ça. Dans la veine de “Spécial Police”, “Rue Barbare” ou “Canicule”, ce nanar plus dévié que déviant est à regarder entre potes, avec beaucoup de cheeseburgers.Podcast animé par Thomas Rozec avec Stéphane MoïssakisRÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONLe Faucon (Paul Boujenah, 1983), Paul Boujenah, Bernard Zitzermann, Francis Huster, Vincent Lindon, Maruschka Detmers, Inspecteur Harry (Don Siegel, 1971), Mad Max: Fury Road (George Miller, 2015), Guy Pannequin, Vincent Lindon, L’arbalète (Sergio Gobbi, 1984), Spécial Poli

Dans les années 1960, Elisa Esposito, jeune femme muette employée comme femme de ménage dans un labo de l’armée américaine à Baltimore, découvre un être amphibie dans un aquarium. Elle va tout risquer pour protéger cette créature fantastique majestueuse, potentiellement dangereuse. Avec “La forme de l’eau”, Guillermo del Toro nous offre une histoire d’amour hors du commun et magnifique, où le sexe est montré dans toute sa beauté, placé au coeur du fonctionnement de son univers, marquant une rupture nette avec ses précédents films asexués, comme une nouvelle étape de son cinéma, une réinvention de sa carrière. Fragilisé par le mauvais accueil de “Crimson Peak”, del Toro se relève, revient à une forme d’innocence, dévoile la richesse de son érudition, explicite les signes et correspondances habituellement invisibles. Sorte de geste vers le grand public, “La forme de l’eau” se veut plus populaire, plus accessible sans renier les façons de faire de l’artiste unique qu’est del Toro. Et comme toujours, une déclara

Un gang de braqueurs menés par Gerard Butler planifie l’attaque de l’inviolable réserve fédérale américaine pour y dérober 120 millions de dollars, avec à leurs trousses une unité d’élite de la police, aux méthodes pour le moins brutales. Mélange à peine dissimulé des moments clefs de Heat, Die hard 3 et Usual Suspect, Criminal Squad n’est rien d’autre qu’un sous-film de braquage qui ne réinvente pas le genre. Avec en guise d’Al Pacino un Gerard Butler en alpha mâle sous stéroïdes et accro aux salons de bronzage. Même le découpage des scènes d’action laisse à désirer. On est même pas sûrs de vous le recommander pour un samedi soir. Podcast animé par Thomas Rozec avec Stéphane Moïssakis. RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONCriminal Squad (Christian Gudegast, 2018), La chute de Londres (Babak Najafi, 2016), Gerard Butler, Heat (Michael Mann, 1995), Die Hard 3 une journée en enfer (John McTiernan, 1995), Usual Suspects (Bryan Singer, 1995), Gods of Egypt (Alex Proyas, 2016), 3000 (Zack Snyder, 2007), N.W.A. Straigh

Formé au sein du studio Ghibli, l’animateur japonais Hiroshima Yonebayashi sort sa première production au sein de son studio Ponoc créé en 2015 : “ Marie et la Fleur de la sorcière”. Mais ce film très plaisant, généreux et bien produit et bien rythmé, n’est malheureusement qu’un succédané d’un film de Miyazaki. L’ombre du maître est là jusque dans le propos, dans la dénonciation des dérives de la science et du monde moderne. “Marie et la Fleur de la sorcière” pose la difficile question de la succession du Studio Ghibli, qui n’arrive pas à survivre à ses créateurs et à faire émerger des talents émancipés et nouveaux dans la japanimation.Podcast animé par Thomas Rozec avec Julien Dupuy.RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSION Marie et la fleur de la sorcière (Hiromasa Yonebayashi, 2014), Arrietty le petit monde des chapardeurs (Hiromasa Yonebayashi, 2010), Souvenirs de Marnie (Hiromasa Yonebayashi, 2014), Princesse Mononoké (Hayao Miyazaki, 1997), Studio Ghibli, Toshio Suzuki, Isao Takahata, Les Chapardeurs / The Bor

Dans une atmosphère olympique, on ne pouvait pas passer à côté de “Moi, Tonya”, adaptation à l’écran du destin étonnant de la patineuse artistique Tonya Harding, dont la carrière olympique fut brisée lors de l’agression à la barre de fer de sa rivale Nancy Kerrigan, dans laquelle l’ancien époux de Tonya était impliqué. Colérique, violente, impulsive, mais parfois enfantine et brisée par les évènements, Margot Robbie parvient à donner des nuances au personnage de Tonya, si détestée à l’époque, vilain petit canard très archétypal mais complexe et intéressant, où beaucoup d’injustices sont contenues. Petit plus : le film adopte un côté méta assumé avec des interviews face caméra qui fonctionnent bien, et le mouvement et la vitesse des athlètes sont bien rendus à l’écran lors des compétitions sur la glace. Podcast animé par Thomas Rozec avec Anaïs Bordages et David Honnorat. RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSION I, Tonya (Craig Gillepsie, 2018), Tonya Harding, Mr Woodcock (Craig Gillepsie, 2007), Margot Robbie, David

Déjà apparu dans le dernier Captain America, le personnage Black Panther possède désormais son propre univers développé. Roi de la nation africaine imaginaire du Wakanda, civilisation très avancée technologiquement parlant où plusieurs tribus cohabitent, T’Challa (Chadwick Boseman) tente de préserver la paix malgré le soulèvement de son cousin (Michael B. Jordan). Le tout est réalisé par Ryan Coogler avec un casting essentiellement afro américain, et donc, un super-héros noir. Fait assez rare pour être souligné. Qui dit Marvel dit mise en scène pauvre, construction uniformisée et longueur inutile du film. Et malheureusement Black Panther n’échappe pas à ces défauts récurrents. Mais l'élégance et l’inventivité des costumes, une bonne utilisation de la 3D, rattrapent l’affaire, tout comme le casting talentueux et les personnages relativement bien écrits. Mais surtout, la dimension politique des combats menés, nouvelle chez Marvel plutôt habituée à raconter l‘abstrait, qui pousse jusqu’à l’évocation de l’oppo

On avait envie de vous parler de “The Big Sick”, la Saint-Valentin était une excuse parfaite. Succès critique et public sorti cet été aux USA, cette romcom a été bazardée sur Amazon Prime dans l’anonymat le plus total en France. Kumail Nanjiani y joue un émigré pakistanais à New York, qui tombe amoureux d’une jeune femme blanche non musulmane, ce qui ne va pas ravir ses parents plutôt adeptes du mariage arrangé. Malgré des bases classiques de comédie romantique et quelques longueurs, cette romcom est cool, plutôt réussie. Les plus : son pouvoir d’identification fort grâce à un cadre urbain / bobo plus réaliste que beaucoup de comédies romantiques, une galerie de personnages secondaires attachants, et un humour noir qui tombe juste. Et en guise de recommandations, nos comédies romantiques préférées. Avec quelques surprises. Podcast animé par Thomas Rozec avec Anaïs Bordages, Alexandre Hervaud, Charline Roux et David Honnorat. RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONThe Big Sick (Michael Showalter, 2017), Silicon Val

D’abord acteur de films muets puis réalisateur d’une soixantaine d’oeuvres jusqu’à la fin de sa carrière en 1939, la rétrospective organisée à la Cinémathèque Française jusqu’au 4 mars est une occasion de se rappeler que Tod Browning a réalisé de très grands films, et pas seulement son Dracula de 1931, très souvent en tandem avec le comédien Lon Chaney. Redécouvert dans les années 70 avec “Freaks, la monstrueuse parade”, de nombreux films “brouillons” de son oeuvre majeure réalisés dans les années précédentes illustrent le goût de Browning pour les monstres humains, son amour du réalisme et son l’étrangeté, sa capacité à se jouer de l’illusion entre le vrai et le faux. Podcast animé par Thomas Rozec avec Arnaud Bordas.RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONDracula (Tod Browning, 1931), Dracula (Bram Stoker, 1897), Nosferatu le vampire (Murnau, 1922), Bela Lugosi, Patrick Brion, Freaks, la monstrueuse parade (Tod Browning, 1932), Le cauchemar de Dracula (Terence Fisher, 1958), Christopher Lee, La Fiancée de Frankens

Doug, homme préhistorique qui vit avec son cochon préhistorique baptisé Crochon, voit débarquer dans sa vallée une tribu de l’âge de bronze, plus moderne que la sienne, qui veut les envahir. Le conflit se réglera avec le premier match de foot de l’histoire. Nick Park revient seul pour piloter le dernier né des studios d’animation Aardman, un des plus gros budgets de l’histoire du studio. Le film est malheureusement un des plus bavards, construit sur un humour artificiel de situation sociale - avec quelques blagues de foot - qui tombe souvent à plat. La facture technique du film n’est pas mauvaise, avec une bonne direction artistique et une belle animation, des personnages plus bruts avec les traces de doigts visibles sur la plasticine. Mais le discours de fond est tiède, et le studio habituellement habitué à sortir du giron de l’animation pure pour emprunter à la science fiction, l‘horreur ou la comédie romantique, n’exploite pas assez dans Cro Man les potentialités du sous-genre du film de préhistoire. Le fi

Spencer Anthony et Alek, trois amis américains dont sont deux militaires, sont en vacances en Europe, et se retrouvent héros malgré-eux en désarmant un homme qui s’apprêtait à perpétrer un attentat à bord d’un train Thalys. L’interminable “15h17 pour Paris” raconte l’histoire vraie qui s’est déroulée à l’été 2015, agrémentée de l’histoire d’amitié des trois héros - qui jouent d’ailleurs leurs propres rôles - et du détail de leurs vacances interminables immortalisées à grands coups de selfies. Clint Eastwood, qui filmait des anti-héros en les mythologisant, prend désormais le chemin inverse, à la recherche du moment où l’homme devient héros dans le regard de la société. Avec très peu d'emphase et de style visuel, avec une narration et une photo très relâchées, l’effet de réel ne prend pas. Reste une sensation de précipitation dans la production du film. Car si Clint aime faire des films très rapidement, tout est manifestement dans ce cas allé trop vite pour faire du bon cinéma. Podcast animé par Thomas Rozec a

Nouveau format pour NoCiné : entretien avec des réalisateurs, en l'occurence FGKO - nom du duo de réalisateurs trentenaires Fabrice Garçon et Kevin Ossona - pour la sortie de leur premier long métrage. "Voyoucratie" raconte le parcours de Sam, joué par Salim Kechiouche, qui essaie de renouer avec la vie normale à sa sortie de prison. Tiraillé entre l’envie de sortir de la spirale de la délinquance, et la difficulté d’échapper au milieu dont il est issu, Sam finit par se faire rattraper par son passé. L'équipe de NoCiné revient avec eux sur la genèse et les conditions de réalisation du film (en extérieur et parfois sans autorisation de tournage, sur la constitution du tandem et leur rencontre à l'école de cinéma, et aborde leurs projets en cours. Animé par Thomas Rozec, David Honnorat et Stéphane Moïssakis.CRÉDITSEnregistré le 1er février 2018 à L'Antenne Paris(10 rue la Vacquerie, Paris 11ème). Production : Binge Audio. Direction de production : Joël Ronez. Chargée de production et d’édition : Camille Regache

Les nominations aux César viennent de tomber et une surprise a attiré l'attention des chroniqueurs de NoCiné : la présence de "Grave" et donc d'un film d'horreur dans six catégories différentes. Faut-il s'en réjouir ou est-ce une récupération de ce genre par le cinéma français ?Autre sujet : de plus en plus, la promotion des films nous vend des tournages vrais, loin des méchants effets spéciaux numériques. Ou quand Tom Cruise se prend pour Belmondo. Qu'est-ce ça cache ?Enfin, après la deuxième accusation de plagiat en quelques jours pour "The Shape of Water", les chroniqueurs font le point sur ces plaintes récurrentes dans l'industrie cinématographique aujourd'hui.Sans oublier les questions des internautes.Podcast animé par Thomas Rozec avec Arnaud Bordas, Alexandre Hervaud, Julien Dupuy et Stéphane Moïssakis.CRÉDITSEnregistré le 01 février 2018 à l’Antenne Paris (10 rue la Vacquerie, Paris 11e). Production : Binge Audio. Direction de production : Joël Ronez. Chargée de production et d’édition : Camille Regac

“Big Trouble in Little China” : grâce à la ressortie en version restaurée de cette pépite de l’année 86, on se replonge avec délice dans les cultissimes et formidables aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin. Kurt Russell au meilleur de sa forme y incarne un héros blanc un peu crétin, qui de péripéties en péripéties pénètre dans le Chinatown de San Francisco comme le spectateur découvre au fil du film le cinéma asiatique et hong-kongais, encore assez peu connu à l’époque. “Big Trouble in Little China” est une porte d’entrée vers ce cinéma là, avec des monstres cheaps et fous, un côté un peu gore, pulp et désinhibé. Carpenter, d’ordinaire plus versé dans l’ironie que la comédie ou le feel-good movie, signe un ovni dans sa filmographie, un film festif et jubilatoire indéniablement passé à la postérité 30 ans après sa sortie. A revoir en salles absolument. Podcast animé par Thomas Rozec avec Julien Dupuy et Stéphane Moïssakis. RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONBig trouble in Little China (John Carpe

Boxeur médiocre, Steve Landry (Mathieu Kassovitz), la quarantaine, se reconvertit après une carrière de looser en sparring-partner, en partenaire d’entrainement d’un champion (Souleymane M’Baye). Autrement dit, le punching ball d’une star qui le massacre sur le ring pour se mettre en forme. Le premier film de Samuel Jouy a le mérite d’explorer un axe inconnu de ce sujet tant traité qu’est la boxe dans le cinéma. Malheureusement, ce point précis est trop peu traité dans le film, la personnalité de cet homme brisée par les obligations du sport trop éludée, et l’intérêt réside finalement dans les émouvantes relations que Steve Landry entretient avec sa fille aînée. On reste partagés par le résultat. Podcast animé par Thomas Rozec avec Stéphane Moïssakis RÉFÉRENCES CITÉES DANS L’ÉMISSIONSparring (Samuel Jouy 2017), Creed : L’héritage de Rocky Balboa (Ryan Coogler, 2015), Rocky V (John G. Avildsen, 1990), Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (Jean-Pierre Jeunet, 2001), Munich (Steven Spielberg, 2005), Mickey Rourke

Spielberg est un génie, mais Spielberg n’est pas à l’abri d’un mauvais film lorsqu’il s’attaque aux drames historiques, comme c’est le cas avec "Pentagon Papers". Et pourtant, pari réussi pour cette hallucinante reconstitution du processus de publication par le Washington Post de documents confidentiels, preuve que l’administration Nixon mentait au peuple américain en pariant sur une victoire improbable dans la guerre du Vietnam. La parution de l’information fut à l’époque décidé par Katharine Graham, patronne du Post (Meryl Streep), et le rédacteur en chef du journal, Ben Bradlee (Tom Hanks). Sans tomber dans le pathos moralisateur ou dans le film à thèse, Spielberg met brillamment en scène des joutes verbales, morales et politiques où le mouvement de la caméra signifie le dialogue, où le dialogue est filmé comme une scène d’action. En mettant indirectement en lumière les mutations de la presse depuis les années 70, "Pentagon Papers" est aussi un film qui parle de l’Amérique d’aujourd’hui en envoyant un sig